A volte le immagini di santi su antichi affreschi o mosaici russi sono chiamate icone. Questo, ovviamente, è sbagliato. Ma le figure sugli affreschi e sulle icone sono molto simili. Questo perché nell'antica pittura russa c'erano regole severe, o canoni, come raffigurare santi e scene bibliche, lo stesso per icone, affreschi e mosaici.
La base per l'emergere della pittura russa erano i campioni dell'arte bizantina. Fu da lì che i canonici vennero in Rus'.
Il re Abgar riceve dall'apostolo Taddeo l'immagine di Cristo non fatta da mani.
Anta pieghevole (X secolo).
Per la percezione della pittura di icone da parte di uno spettatore moderno, è importante ricordare che un'icona è un'opera molto complessa in termini di organizzazione interna, linguaggio artistico, non meno complessa di, ad esempio, un dipinto del Rinascimento. Tuttavia, il pittore di icone pensava in categorie completamente diverse, seguiva un'estetica diversa.
Cos'è un canone iconografico?
Dopo un difficile periodo di iconoclastia, i dipinti delle chiese di Bisanzio furono riuniti in un unico sistema ordinato. Tutti i dogmi ei riti della Chiesa greco-orientale erano pienamente formati e riconosciuti come divinamente ispirati e immutabili. L'arte sacra doveva aderire a determinati schemi di composizioni di base, la cui totalità è solitamente chiamata "canone iconografico".
Canone: un insieme di regole e tecniche rigorosamente stabilite per opere d'arte di questo tipo.
L'obiettivo dell'arte bizantina non era quello di rappresentare il mondo circostante, ma di mostrare con mezzi artistici il mondo soprannaturale, la cui esistenza sosteneva il cristianesimo. Da qui i principali requisiti canonici per l'iconografia:
- le immagini sulle icone dovrebbero enfatizzare il loro carattere spirituale, ultraterreno, soprannaturale, ottenuto da una peculiare interpretazione della testa e del volto della figura. Spiritualità, calma contemplazione e grandezza interiore sono emerse nell'immagine;
- poiché il mondo soprannaturale è un mondo eterno e immutabile, le figure dei personaggi biblici e dei santi sull'icona dovrebbero essere rappresentate come immobili, statiche;
- l'icona poneva esigenze specifiche sulla visualizzazione dello spazio e del tempo.
Il canone iconografico bizantino regolava il cerchio delle composizioni e delle trame delle scritture, la rappresentazione delle proporzioni delle figure, il tipo generale e l'espressione facciale generale dei santi, il tipo di aspetto dei singoli santi e le loro posture, la tavolozza dei colori e il tecnica della pittura.
Da dove provenivano i campioni, che il pittore di icone era obbligato a imitare?
C'erano fonti primarie, tali icone sono chiamate "primordiali".
Ogni icona "primordiale" -
il risultato di intuizioni religiose, visioni.
L'icona "Cristo Pantocratore" dal monastero di Santa Caterina sul Monte Athos
realizzata con la tecnica dell'encausto.
Fu creato nel VI secolo, molto prima della formazione del canone.
Ma per 14 secoli Cristo Pantocratore
fondamentalmente scrivilo in questo modo.
Come venivano raffigurati i santi sulle icone
Grazie al lavoro di Giovanni di Damasco, è diventato chiaro cosa può essere raffigurato sull'icona e cosa no. Resta da scoprire e regolare come raffigurare l'aspetto dei santi e dei soggetti divini.
La base del canone iconografico era l'idea della verità di ciò che veniva raffigurato. Se gli eventi evangelici fossero reali, avrebbero dovuto essere rappresentati così come sono accaduti. Ma i libri del Nuovo Testamento sono estremamente parsimoniosi nel descrivere l'ambientazione di certe scene, di solito gli evangelisti danno solo un elenco delle azioni dei personaggi, omettendo le caratteristiche dell'aspetto, dell'abbigliamento, delle scene e simili. Pertanto, insieme ai testi canonici, si formarono schemi canonici per raffigurare varie trame sacre, che divennero la base per il pittore di icone.
Ad esempio, santi, arcangeli, la Vergine Maria e Cristo dovrebbero essere disegnati rigorosamente di fronte o di tre quarti, con gli occhi spalancati fissi sul credente.
Per migliorare l'effetto, alcuni maestri hanno dipinto gli occhi in modo tale che sembrassero seguire la persona, indipendentemente da quale parte guardasse l'icona.
L'iconografia prescriveva come trasmettere l'aspetto di vari santi. Ad esempio, San Giovanni Crisostomo doveva essere ritratto come biondo e con la barba corta, mentre San Basilio Magno era raffigurato come un uomo dai capelli scuri con una barba lunga e appuntita. Grazie a ciò, le figure dei santi erano facilmente riconoscibili anche a grande distanza, quando non erano visibili le iscrizioni a corredo.
"Sergio e Bacco", VI secolo (Museo statale di arte occidentale e orientale, Kiev).
Questa delle prime icone bizantine raffigura i santi martiri, in particolare
venerato a Costantinopoli. L'attenzione del pubblico sarà sicuramente attratta dal loro sguardo,
trasmesso attraverso occhi innaturalmente grandi e spalancati.
In queste immagini vengono particolarmente enfatizzate la concentrazione spirituale e il distacco dal mondo esterno.
Conosciute fin dall'antichità, le proporzioni del corpo umano vengono volutamente violate: le figure si affrettano verso l'alto, diventano più alte, più magre, le spalle si restringono, le dita e le unghie si allungano. Tutto il corpo, ad eccezione del viso e delle mani, è nascosto sotto le pieghe dei vestiti. L'ovale del viso è allungato, la fronte è alta, il naso e la bocca sono piccoli, gli occhi sono grandi, a forma di mandorla. Lo sguardo è severo e distaccato, i santi guardano oltre lo spettatore o attraverso di lui. Per rendere i personaggi dell'icona incorporei, come angeli, i maestri bizantini li hanno resi piatti, praticamente ridotti a semplici sagome.
Palette dei colori
I colori primari avevano un significato simbolico esposto nel trattato del VI secolo Sulla gerarchia celeste. Ad esempio, lo sfondo di un'icona (era anche chiamato "luce"), che simboleggia l'uno o l'altro essenza divina, potrebbe essere oro, cioè denotava la luce divina, bianco - questa è la purezza di Cristo e lo splendore della sua gloria divina, lo sfondo verde simboleggiava la giovinezza e il vigore, rosso - il segno della dignità imperiale, così come il colore della porpora, il sangue di Cristo e dei martiri. Lo spazio vuoto dello sfondo è pieno di iscrizioni: il nome del santo, le parole della divina scrittura.
C'è stato un rifiuto di un paesaggio multiforme o di uno sfondo architettonico, che gradualmente si è trasformato in segni peculiari di un paesaggio o di un paesaggio architettonico, e spesso ha ceduto completamente il posto a un puro piano monofonico.
I pittori di icone hanno anche abbandonato i mezzitoni, le transizioni di colore, i riflessi di un colore in un altro. I piani venivano ridipinti localmente: il mantello rosso era dipinto esclusivamente con cinabro (la cosiddetta vernice contenente tutte le sfumature del rosso), il vetrino giallo era dipinto con giallo ocra.
Gregorio Taumaturgo, seconda metà del XII secolo.
Un brillante esempio di icona bizantina di quel periodo
(State Hermitage, San Pietroburgo).
Poiché lo sfondo dell'icona era dipinto con la stessa intensità, anche la minima tridimensionalità delle figure, consentita dalla nuova pittura, non poteva rivelare chiaroscuri. Pertanto, per mostrare il punto più convesso dell'immagine, è stato evidenziato: ad esempio, nel viso, la punta del naso, gli zigomi, le arcate sopracciliari sono state dipinte con i colori più chiari. È nata una tecnica speciale per sovrapporre in sequenza strati di vernice più leggeri uno sopra l'altro, con il più leggero proprio in quel punto molto convesso della superficie, indipendentemente dalla sua posizione.
Anche le pitture stesse si differenziarono: l'encausto (in questa tecnica pittorica il legante delle pitture è la cera) fu sostituito dalla tempera (pitture all'acqua preparate sulla base di pigmenti in polvere secca).
Prospettiva "inversa".
Ci sono stati anche cambiamenti nel rapporto tra i personaggi raffigurati sull'icona tra loro e con lo spettatore. Lo spettatore è stato sostituito da un adoratore, che non contemplava l'opera pittorica, ma stava di fronte alla sua Protettore Celeste. L'immagine era diretta alla persona in piedi davanti all'icona, che ha influenzato il cambiamento dei sistemi prospettici.
Annunciazione (fine XII secolo, Sinai). Lo sfondo dorato nel simbolismo cristiano significava luce divina.
La scintillante doratura dava l'impressione di intangibilità,
l'immersione delle figure in un certo spazio mistico, che ricorda lo splendore dei cieli del mondo montano.
Inoltre, questo splendore dorato escludeva qualsiasi altra fonte di luce.
E se il sole o una candela erano raffigurati sull'icona, non influivano sull'illuminazione di altri oggetti,
quindi i pittori bizantini non usavano il chiaroscuro.
La prospettiva lineare dell'antichità (prospettiva "diretta"), che creava l'illusione della "profondità" dello spazio raffigurato, è andata perduta. Il suo posto è stato preso dalla cosiddetta prospettiva "inversa": le linee convergevano non dietro il piano dell'icona, ma davanti ad esso - come agli occhi dello spettatore, nel suo mondo reale.
L'immagine sembrava capovolta, rivolta allo spettatore, lo spettatore era inserito nel sistema dell'opera pittorica, e non vi guardava dentro, come un passante casuale attraverso la finestra di qualcun altro.
Oltre all '"effetto di accensione", anche la prospettiva inversa ha contribuito all'appiattimento di oggetti tridimensionali: sembravano sparsi sulla superficie di una parete o tavola dipinta. Le forme diventano stilizzate, liberate da dettagli "non necessari". Ora l'artista non ha scritto l'oggetto in sé, ma, per così dire, l'idea dell'oggetto. In un tempio a cinque cupole, ad esempio, tutte e cinque le cupole erano allineate in linea retta, senza tener conto del fatto che in realtà due cupole sarebbero state oscurate. Il tavolo dovrebbe avere quattro gambe, anche se le gambe posteriori non sono visibili. L'oggetto sull'icona dovrebbe essere rivelato alla persona nella sua interezza, poiché è accessibile all'occhio divino.
Funzioni di visualizzazione dell'ora
Anche il trasferimento del tempo nello spazio dell'icona ha le sue caratteristiche. Il santo, a cui guarda la preghiera, è generalmente fuori dal tempo, perché vive in un altro mondo. Ma le trame della sua vita terrena si svolgono sia nel tempo che nello spazio: le icone della vita mostrano la nascita del futuro santo, il suo battesimo, l'educazione, a volte il viaggio, a volte la sofferenza, i miracoli, la sepoltura e il trasferimento delle reliquie. Una forma di unificazione del temporale e dell'eterno è diventata un'icona agiografica con segni distintivi - piccole immagini che fanno da cornice attorno alla grande figura del santo.
San Panteleimon nella sua vita. (XIII secolo, il monastero di S. Caterina nel Sinai).
Eppure, lo spazio e il tempo sull'icona bizantina sono piuttosto arbitrari. Ad esempio, nella scena dell'esecuzione, si può raffigurare un boia, che ha alzato la spada sopra il martire che ha chinato la testa, e proprio accanto c'è una testa mozzata che giace a terra. Spesso i caratteri più importanti sono più grandi degli altri o si ripetono più volte nella stessa immagine.
Limiti rigidi o libertà di creatività?
Da un lato, il canone iconografico limitava la libertà dell'artista: non poteva costruire liberamente una composizione e nemmeno scegliere i colori a sua discrezione. D'altra parte, il canonico ha disciplinato il pittore, costringendomi a prestare molta attenzione ai dettagli. La rigida struttura in cui erano collocati i pittori di icone bizantine costrinse i maestri a migliorare all'interno di questi confini: cambiare le sfumature di colore, i dettagli delle composizioni, la soluzione ritmica delle scene.
Grazie a questo sistema di convenzioni sorse il linguaggio della pittura bizantina, ben compreso da tutti i credenti. A quel tempo molti non sapevano leggere, ma il linguaggio dei simboli veniva instillato in ogni credente fin dall'infanzia. E il simbolismo del colore, dei gesti, degli oggetti raffigurati: questo è il linguaggio dell'icona.
Nostra Signora di Vladimir (inizio del XII secolo, Galleria Statale Tretyakov), portata in Rus' da Costantinopoli nel 1155, è giustamente considerata un capolavoro dell'iconografia bizantina. Icone di questo tipo hanno ricevuto in Rus' il nome di "Tenerezza" (in greco, Eleusa). Una caratteristica distintiva di questa immagine è che la gamba sinistra del Bambino Gesù è piegata in questo modo
che la pianta del piede sia visibile.
Requisiti canonici registrati mezzi artistici Arte bizantina, grazie alla quale ha raggiunto tanta raffinatezza e perfezione. Queste icone non causavano più rimproveri nel paganesimo e nell'idolatria. Si scopre che gli anni dell'iconoclastia non sono stati vani: hanno contribuito a un'intensa riflessione sull'essenza dell'immagine sacra e sulle forme della pittura sacra e, in definitiva, sulla creazione di un nuovo tipo di arte.
Sviluppo di una lezione sul corso di ORKSE in 4a elementare
sul modulo "Fondamenti di cultura ortodossa"
Insegnante scuola elementare MBOU Lyceum n. 58 del distretto sovietico
Rostov sul Don
Arkhipova Natalya Aleksandrovna
2013
Soggetto: Icona.
Manuale AV Kuraev "Fondamenti della cultura ortodossa";
Obiettivi della lezione:
Generalizzazione e sistematizzazione delle idee degli studenti sull'icona e sull'iconostasi.
Contribuire alla formazione delle idee degli studenti sulla bellezza, sul gusto artistico.
Promuovere lo sviluppo della parola, vivere il pensiero figurativo.
Obiettivi della lezione:
approfondire l'idea dell'icona in termini di cultura; insegnare ai bambini a distinguere un'icona da un'immagine, a trovare le differenze e confrontare le icone; ripetere e consolidare il materiale su Chiesa ortodossa; introdurre nuovi concetti sviluppare il discorso degli studenti; coltivare un senso di rispetto e compassione.
Attrezzatura:
dipinto di Mikhail Vasilyevich Nesterov "Wanderer", piccole icone (Vergine della tenerezza, Nostra Signora di Vladimir, Giorgio il Vittorioso);
materiale sulle icone;
Concetti: Icona. Iconostasi. Iconografia. Pittore di icone. Immagine di Dio. Viso.
Durante le lezioni:
1. Momento organizzativo.
2. Aggiornamento delle conoscenze.
Ragazzi, abbiamo parlato di templi nell'ultima lezione. In che modo i cristiani ortodossi decorano le chiese (dentro e fuori)?
Come gli ortodossi comprendono la bellezza ?
- Perché pensi che ci siano così tante icone nelle chiese ortodosse?
Guarda il dipinto di Mikhail Vasilievich Nesterov "The Wanderer". Raffigura una persona.
Possiamo dire che questa immagine è la persona? (i bambini rispondono)
NO. L'immagine ci presenta solo l'immagine corporea di una persona.
Pensi che sia possibile rappresentare l'anima di una persona in una foto? (i bambini rispondono)
Non sappiamo che aspetto abbia l'anima, il mondo interiore non è visibile. Ma questo è un mondo di sentimenti, il che significa che usando mezzi artistici, che riflettono l'umore di una persona, puoi rappresentare l'immagine dell'anima. Come, ad esempio, in questa immagine, con l'aiuto di colori e linee, l'artista Ivan Nikolaevich Kramskoy ha trasmesso lo stato d'animo di un monaco: calma e premura.
Come interpreta l'espressione "sant'uomo"? (i bambini rispondono)
La parola "santo" significa "brillante, splendente, luminoso, puro, bianco". quelli. una persona santa è una persona giusta con un'anima pura, in cui non c'è una goccia di male. L'immagine della santità, ad es. l'immagine della luce divina, con l'ausilio di mezzi artistici, viene trasmessa in quadri speciali, chiamati icone.
3. Conversazione con gli studenti sull'argomento della lezione.
Quindi, l'argomento della nostra lezione di oggi è l'Icona.
Perché ci sono icone in casa? (sono adorati, benedetti)
Cosa significa la parola "icona"? ("icona" in greco significa "immagine").
Dove sono la maggior parte delle icone in una chiesa ortodossa? ( Iconostasi - una fila di icone che separano (collegano) l'altare dalla parte centrale del tempio).
Puoi offrire diverse riproduzioni di icone per la revisione da parte dei bambini: Santa madre di Dio Vladimirskaya, San Sergio di Radonezh o altri. La scelta dei soggetti per i dipinti - dal popolare alle trame della storia della chiesa.
C'è differenza tra icone e dipinti? Spiega cosa pensi che sia. (L'immagine raffigura un evento ordinario o fantastico che l'artista ha immaginato. L'icona raffigura i volti dei santi, eventi della storia sacra. L'icona è solitamente dipinta secondo rigide regole canoni).
Come intendi la parola armonia? (Questa parola è di origine greca. Significa coerenza, armonia, unità in una combinazione di qualcosa). Cosa c'entra questa parola con la raffigurazione dei santi sulle icone? Esprimi le tue ipotesi.
L'icona pittorica differisce notevolmente dal dipinto. Questo perché il compito dell'icona è mostrare il mondo interiore di una persona santa, rappresentare la luce divina nell'anima. Ma non ogni immagine a tema religioso può essere considerata un'icona, ma solo quella che corrisponde ai dogmi della Chiesa. Le icone ortodosse sono dipinte secondo determinate regole. Queste regole sono chiamate canone iconografico.
La parola "icona" è di origine greca e significa "immagine", "ritratto". Durante il periodo della formazione dell'arte cristiana a Bisanzio, questa parola denotava qualsiasi immagine del Salvatore, della Madre di Dio, di un santo, di un angelo o di un evento della Storia Sacra, indipendentemente dal fatto che questa immagine fosse scultorea, pittura monumentale o cavalletto e indipendentemente dalla tecnica con cui è stato eseguito. Ora la parola "icona" si applica principalmente a un'icona di preghiera dipinta, scolpita, a mosaico, ecc. È in questo senso che viene utilizzato in archeologia e storia dell'arte. Nella Chiesa facciamo anche una certa differenza tra pittura murale e icona dipinta su tavola, nel senso che una pittura murale, affresco o mosaico, non è un oggetto in sé, ma è tutt'uno con la parete, entra nel architettura del tempio, poi come un'icona dipinta su una lavagna, è un oggetto in sé. Ma essenzialmente il loro significato e significato sono gli stessi. Vediamo la differenza solo nell'uso e nello scopo di entrambi.
Lavorare con il testo p. 52-55
È anche insolito che le Linee sull'icona non convergano in lontananza, ma, al contrario, divergano. Quando guardo il mondo, più l'oggetto è lontano da me, più è piccolo. Da qualche parte lontano, anche l'oggetto più grande si trasforma in un minuscolo punto (ad esempio una stella). E cosa significa allora se le linee sull'icona divergono in lontananza? Ciò significa che non sto guardando l'icona di Cristo, ma Cristo dall'icona mi guarda, per così dire.
Il cristiano, sperimentando questo, si sente davanti allo sguardo di Cristo. E, naturalmente, cerca di ricordare i comandamenti di Cristo e di non violarli.
La cosa più sorprendente nell'icona sono i volti e gli occhi. I volti mostrano saggezza e amore. I loro occhi trasmettono uno stato tale che può essere espresso dalla parola antica e precisa: "gioiosa tristezza". Sull'icona, questa è la gioia del santo che lui stesso è già con Dio, e la sua tristezza che coloro che guarda a volte sono ancora lontani da Lui.
Proviamo a ricordare tutte le caratteristiche della scrittura tradizionale Icone ortodosse.
I bambini, sbirciando nel libro di testo, nominano i tratti distintivi dell'icona.
Come fai a capire qual è la differenza tra un'icona e un dipinto ordinario? (i bambini rispondono)
Ascoltiamo il testo "ICONA E PREGHIERA"
Storia delle icone
icona miracolosa Madre di Dio Vladimirskaya- il più grande santuario della terra russa. Tre volte ha mostrato il miracolo di salvare Mosca dalla sconfitta tataro-mongola. Questi fatti della miracolosa protezione del popolo russo dalla distruzione furono persino inclusi negli scritti degli storici Klyuchevsky e Solovyov. L'icona ci è arrivata da Bisanzio. Secondo la leggenda, fu scritto dall'apostolo Luca sulle assi del tavolo al quale il ultima cena. La stessa Madre di Dio la vide e disse: "In questo modo, la mia grazia e la mia forza rimangono". Questa icona è molto forte e molto antica, ora risiede nella Chiesa di San Nicola a Tolmachi, che fa parte della Galleria Statale Tretyakov. Ogni persona ortodossa dovrebbe inchinarsi a questo santuario.
“Madre di Dio Tenerezza”
Quando si riferiscono alla "tenerezza" della Madre di Dio, pregano per la guarigione dai disturbi.
L'icona era nella cella di San Serafino di Sarov. Olio della lampada che ardeva davanti all'icona della cella, Reverendo Serafino ungeva gli infermi ed erano guariti. Di fronte a questa icona, il monaco è andato dal Signore. Un altro nome per l'icona è "Gioia di tutte le gioie". Quindi lo stesso San Serafino chiamava spesso questa icona.
Celebrazione dell'icona della Madre di Dio "Tenerezza" il 10 agosto (28 luglio, vecchio stile)
Uno dei miracoli postumi più famosiSan Giorgio sta uccidendo con una lancia ( ), che da solo ha devastato la terrav. Come dice la leggenda, quando cadde la sorte per dare alla figlia del re di essere fatta a pezzi dal mostro, Giorgio apparve a cavallo e trafisse il serpente con una lancia, salvando la principessa dalla morte. L'apparizione del santo ha contribuito alla conversione dei residenti locali al cristianesimo.
Questa leggenda veniva spesso interpretata allegoricamente: la principessa -, il serpente -. È anche visto come una vittoria su "l'antico serpente
Il simbolismo del colore nell'icona
Vediamo come sono raffigurati i santi sulle icone. E analizzeremo le differenze tra l'icona e l'immagine.
Immagine piatta bidimensionale, mancanza di volume, tridimensionalità. Il risultato - l'azione non si svolge sul piano orizzontale, ma su quello verticale - l'aspirazione dell'anima è diretta verso l'alto.
La cosa principale in un'icona è la luce in generale, la cosa principale in un'icona. Nel Vangelo, Luce è uno dei nomi di Dio e una delle sue manifestazioni.
Il santo ha aperto tutta la sua vita a Dio e, quindi, non c'è più posto per il male in essa, non c'è oscurità. Tutto si è permeato di luce. Pertanto, non un singolo oggetto sull'icona proietta un'ombra. L'immagine può mostrare la lotta tra il bene e il male in una persona. L'icona mostra cosa diventerà una persona se vince questo combattimento.
In un'immagine normale, una persona è come un pianeta. Sull'icona, ogni persona è una stella.
La differenza tra stelle (soli) e pianeti è che le stelle stesse danno vita alla propria luce, e i pianeti inviano nello spazio solo la luce del sole da loro riflessa. È come la differenza tra una lampadina e uno specchio.
La luce sull'icona passa attraverso il volto e la figura del sant'uomo, e non cade su di lui dall'esterno. In un'immagine ordinaria, una persona è come un pianeta. Sull'icona, ogni persona è una stella.
La luce in generale è la cosa principale in un'icona. Nel Vangelo, Luce è uno dei nomi di Dio e una delle sue manifestazioni.
I pittori di icone chiamano lo sfondo dorato dell'icona "luce". È un simbolo dell'infinita Luce divina. E questa Luce non può mai essere oscurata dalla parete di fondo della stanza. Pertanto, se un pittore di icone vuole chiarire che l'azione si svolge all'interno di una stanza (tempio, stanza, palazzo), disegna comunque questo edificio dall'esterno. Ma sopra o tra le case getta, per così dire, una tenda - "velum" (in latino velum significa vela).
La testa del santo è circondata da un cerchio d'oro. Il santo, per così dire, è pieno di luce e, essendone stato saturo, la irradia. Questo aureola- un segno della grazia di Dio, che ha permeato la vita e il pensiero del santo e ha ispirato il suo amore.
Questo alone spesso va oltre i bordi dello spazio dell'icona. No, non è perché l'artista ha commesso un errore e non ha calcolato le dimensioni del suo disegno. Ciò significa che la luce dell'icona sta fluendo nel nostro mondo.
A volte il piede del santo va oltre i confini dell'icona stessa. E il significato è lo stesso: l'icona è percepita come una finestra attraverso la quale il mondo celeste entra nelle nostre vite.
Se un giorno incontri una persona santa non su un'icona, ma nella vita, sentirai che accanto a lui diventa leggero, gioioso e calmo.
In che modo il concetto di "luce" è correlato alla comprensione cristiana di Dio? (i bambini rispondono)
Un'altra caratteristica sorprendente dell'icona è che non c'è disordine su di essa. Anche le pieghe degli abiti sono rese da linee dritte e armoniose. pittore di icone armonia interiore trasmette il santo attraverso l'armonia esterna.
Sull'icona, a differenza dell'immagine, non c'è sfondo né orizzonte. Tutta l'azione si svolge su un piano. Quando guardi una fonte di luce brillante (il sole o un riflettore), perdi la sensazione di spazio e profondità. L'icona brilla nei nostri occhi, e in questa luce ogni distanza terrena diventa invisibile. Il colore ha un ricco simbolismo nell'icona. Il rosso è il colore della terra, il colore del sangue e del sacrificio, ma allo stesso tempo il colore della regalità. Il blu è il colore del cielo, divino, denota purezza, purezza, scelta. Il verde è il colore dello Spirito Santo, della vita eterna, dell'eterna fioritura (non è un caso che le chiese e le case della Rus' siano decorate con il verde sulla Trinità). Il bianco è la luce della trasfigurazione e il colore delle antiche vesti dei giusti. Il nero è il colore dell'oscurità, l'abisso dell'inferno, ma l'oscurità o il nero simboleggiano anche l'oscurità divina: la luce divina è la più luminosa, accecante. L'oro è il colore della Gerusalemme celeste, descritta nell'Apocalisse di San Giovanni il Teologo come una città splendente: le sue mura sono rivestite di pietre preziose e le strade sono "oro puro e vetro trasparente". Sonorità colorate, preziosità, nobiltà di colore, varietà di texture dell'icona: questo è un riflesso della bellezza del Regno dei Cieli.
4. Fissaggio .
Come fai a capire qual è la differenza tra un'icona e un dipinto ordinario?
In che modo il concetto di "luce" è correlato alla comprensione cristiana di Dio?
Perché i cristiani ortodossi considerano possibile raffigurare il Dio invisibile?
A chi pregano i cristiani ortodossi, in piedi davanti all'icona?
Perché non c'è ombra nella pittura di icone, ma al contrario tutto è permeato di luce?
Perché la luce nell'icona “irradia” il volto, la figura del santo, e non altri elementi del raffigurato, ad esempio il sole?
Perché pensi che Luce sia uno dei nomi di Dio?
Parlami dell'alone. Qual è la designazione simbolica dell'aureola sull'icona?
Perché è apparsa l'icona? Chi ha "aperto la porta" alla pittura di icone?
5. Riassumendo. Classificazione.
L'icona è scritta secondo regole speciali, che sono obbligatori per il pittore di icone. Viene chiamata la totalità di alcune tecniche di pittura di icone, secondo le quali un'immagine è costruita su un'icona canone della pittura di icone.
"Canone" è una parola greca, significa: "regola", "misura", in senso stretto - questo è uno strumento di costruzione, un filo a piombo, con il quale viene controllata la verticalità delle pareti; nel senso più ampio, uno schema stabilito rispetto al quale viene controllato qualcosa di appena creato.La visione fornisce a una persona quasi l'80% delle informazioni sul mondo che lo circonda. E quindi, rendendosi conto dell'importanza della pittura per la santa causa del Vangelo, già nella chiesa paleocristiana iniziarono i tentativi di creare il proprio linguaggio di immagini sacre, diverso dal circostante mondo pagano ed ebraico.
Le regole della pittura di icone sono state create per un lungo periodo di tempo non solo dai pittori di icone o, come si diceva, iconografi, ma anche dai Padri della Chiesa. Queste regole, soprattutto quelle che non si riferivano alla tecnica dell'esecuzione, ma alla teologia dell'immagine, furono argomenti convincenti nella lotta della Chiesa contro numerose eresie. Argomenti, ovviamente, in linee e colori.
Nel 691 ebbe luogo la Quinta-Sesta, o Trullsky, Cattedrale, così chiamata perché si teneva nella sala del palazzo imperiale - Trullum. In questo concilio furono apportate importanti aggiunte alle decisioni del Quinto e Sesto Concilio, nonché alcune decisioni che furono molto significative per la formazione della pittura di icone ortodosse.
Nei canoni 73, 82 e 100, la Chiesa inizia lo sviluppo dei canoni, che diventano una sorta di scudo contro la penetrazione dell'eresia pittorica nell'icona ortodossa.
Un settimo Concilio ecumenico, tenutosi nel 787, approvò il dogma della venerazione delle icone, designò il luogo e il ruolo delle immagini sacre nella pratica liturgica della chiesa. Quindi, si può dire che l'intera Chiesa di Cristo, tutta la sua mente conciliare, ha partecipato allo sviluppo delle regole canoniche della pittura di icone.
Il canone per il pittore di icone era lo stesso della carta liturgica per il sacerdote. Continuando la carta dei servizi per un sacerdote. Continuando questo confronto, possiamo dire che il servizio per l'isografo diventa originale della pittura di icone.
Un originale di pittura di icone è un insieme di regole e raccomandazioni specifiche che insegnano a dipingere un'icona e l'attenzione principale non è rivolta alla teoria, ma alla pratica.
Ovviamente, i primissimi modelli di ruolo stabiliti esistevano già nel periodo iniziale della formazione della pittura di icone canonica. Uno dei primi originali di pittura di icone giunti fino ai giorni nostri, che si basa, ovviamente, su quelli ancora precedenti, è considerato un brano scritto in greco dalle "Antichità della storia della Chiesa di Ulpius il Romano su l'apparizione dei padri portatori di Dio", risalente al 993. Contiene descrizioni verbali dei più famosi Padri della Chiesa. Ecco, ad esempio, una descrizione di San Giovanni Crisostomo: “Giovanni di Antiochia era molto piccolo di statura, aveva una grande testa sulle spalle, ed era estremamente magro, aperto e grande, butterato da molte rughe, orecchie grandi, un piccola, molto rada, ornata di barba grigia.
Ci sono originali che, oltre alle descrizioni puramente verbali, contengono anche pittoresche immagini di santi. Sono chiamati facciale. Qui è necessario ricordare il Menologion dell'imperatore Basilio II, compilato alla fine del X secolo. Il libro, oltre alle biografie dei santi, contiene anche 430 miniature colorate, che sono servite da autorevoli modelli per i pittori di icone.
L'originale anteriore, o come viene anche chiamato - campione, personale, diffuso tra i pittori di icone in varie edizioni. Puoi chiamare "Stroganov" e "Bolshakovsky originals", "Guryanovsky", "Siysky" e altri. Un libro compilato nel XVIII secolo dallo ieromonaco e pittore Dionysius Fournoagrofiot, con il titolo "Erminia, o istruzione nell'arte della pittura", divenne ampiamente noto.
Quindi, l'isografo ha funzionato in un quadro canonico piuttosto rigido. Ma il canone non era qualcosa che incatenava il pittore di icone, lo ostacolava? Questa domanda è molto tipica per le persone che hanno familiarità con la storia delle belle arti, perché la storia dell'arte secolare costruisce il problema in questo modo: il canone è un freno, la liberazione da esso è la libertà creativa di autoespressione dell'artista: dalla “Madonna Sistina” di Raffaello ” al “Quadrato nero” di Malevich.
Uno dei moderni ricercatori dell'icona, l'accademico Raushenbakh, ha espresso in modo molto emotivo e figurato la sua opinione sul risultato del rifiuto di qualsiasi quadro canonico nelle arti visive: "... L'arte medievale è per molti aspetti superiore all'arte del Rinascimento. Credo che il Rinascimento non sia stato solo un movimento in avanti, ma era anche collegato alle perdite. L'arte astratta è un completo declino. L'apice per me è l'icona del XV secolo ... Dal punto di vista della psicologia, Posso spiegarlo in questo modo: l'arte medievale fa appello alla ragione, l'arte della New Age e del Rinascimento - ai sensi, e l'astratto al subconscio. Questo è un chiaro movimento dall'uomo alla scimmia."
Questo è il percorso seguito dall'iconografia della Chiesa romana d'Occidente. Lungo il percorso della distruzione del canone, lungo il percorso dell'ammirazione della bellezza corporea ed emotiva - la bellezza contro la quale era diretto il centesimo canone della già citata Cattedrale del Trullo: quindi, le immagini su dischi o su qualsiasi altra cosa immaginata, affascinano l'occhio , corrompendo la mente e infiammando i piaceri impuri, non permettiamo d'ora in poi di essere inscritti in alcun modo.
Secondo l'archimandrita Raphael (Karelin) - autore di un interessante saggio "Sul linguaggio delle icone ortodosse", il canone è "una preziosa esperienza secolare dell'intera Chiesa orientale, l'esperienza della visione spirituale e la sua trasformazione in un visivo immagine. Il canone non incatena il pittore di icone, ma gli dà la libertà. Dai dubbi, dal pericolo di un divario tra contenuto e forma, da quella che chiameremmo "una bugia contro un santo. Il Canone dà libertà alla forma si..."
In precedenza è stato detto che per le generazioni precedenti nate e vissute in un ambiente ortodosso, il linguaggio dell'icona era abbastanza accessibile, perché questo linguaggio è comprensibile solo per le persone che conoscono Sacra Bibbia, i riti di culto e coloro che partecipano ai Sacramenti. Per una persona moderna, specialmente per chi è venuto di recente alla Chiesa, questo è molto più difficile da raggiungere. La difficoltà sta anche nel fatto che dal XVIII secolo l'icona canonica è stata soppiantata da icone della cosiddetta scrittura "accademica", appunto, dipinti su temi religiosi. Questo stile di pittura di icone, caratterizzato da una sincera ammirazione per la bellezza delle forme, accentuata decoratività e sfarzo della decorazione della tavola dell'icona, arrivò in Russia dall'Occidente cattolico e si sviluppò soprattutto nel periodo post-petrino, durante il periodo sinodale nella storia della Chiesa ortodossa russa.
Questo periodo è iniziato con un decreto speciale di Pietro I, in cui ha abolito il Patriarcato in Rus', e ha nominato un funzionario, il procuratore capo, che guidava la direzione del Santo Sinodo, come responsabile di tutti gli affari della chiesa ortodossa russa. Chiesa. Il patriarcato fu restaurato solo al Consiglio locale del 1917-1918.
Naturalmente, il riorientamento politico ed economico dell'intera vita dello stato russo, avviato attivamente da Pietro e sostenuto dai successivi governanti, non poteva che influenzare la vita spirituale di tutti gli strati della società. Questo vale anche per l'iconografia.
Al momento, nonostante i moderni pittori di icone stiano facendo rivivere le tradizioni dell'antica scrittura russa, in molte chiese, per la maggior parte, si possono vedere immagini in stile "accademico".
In ogni caso, un'icona è sempre un santuario, non importa quanto pittoricamente sia eseguita. L'importante è sentire sempre il grado di responsabilità del pittore di icone per il suo lavoro rispetto a quello che raffigura: l'immagine deve essere degna del Prototipo.
"Enciclopedia dell'icona ortodossa. Fondamenti di teologia dell'icona".
Icona(dal gr. - immagine, immagine) - immagine accolta dalla Chiesa e consacrata di Gesù Cristo, la Madre di Dio, santi e vari eventi della storia sacra e della Chiesa. Secondo regole (canoni) rigorosamente definite, le icone sono dipinte con colori (solitamente tempera) su una tavola di legno (tiglio o pino), ricoperta da uno speciale primer.
Assist- la composizione utilizzata nella pittura di icone per incollare fogli d'oro e d'argento. Ha l'aspetto di una massa densa e appiccicosa di colore marrone scuro, preparata con aglio o fanghi di birra languendo in un forno fino allo stato desiderato. Quando viene utilizzato, viene diluito con acqua in modo da poter tracciare le linee più sottili con un pennello. Sull'asist, l'oro tiene molto bene e non perde la sua lucentezza.
Tavola dell'icona- una base in legno per un'icona, solitamente tiglio, meno spesso pino, abete rosso, quercia o cipresso. Diverse tavole sono strettamente collegate ai lati in un unico scudo della dimensione desiderata, incollate con colla animale (ad esempio colla di caseina) e inoltre fissate con tasselli dal retro o dalle estremità (in modo da non deformarsi). Sul lato anteriore è realizzata una rientranza piatta: l'arca.
Iconografia(Greco - descrizione dell'immagine) - una descrizione delle caratteristiche e dei canoni dell'immagine di una determinata persona o trama sulle icone.
Kiot- una cornice decorata per un'icona o una vetrina per più icone.
Levkas(Greco) - primer bianco per la pittura di icone. È costituito da gesso (o intonaco) frantumato e colla. Viene applicato gradualmente, a più strati sulla superficie della lavagna destinata alla scrittura dell'icona. La superficie del gesso è accuratamente levigata.
Nembo- splendore intorno alla testa: un segno della grazia di Dio sotto forma di disco o raggi di luce, raffigurato sulle icone come simbolo di gloria spirituale.
Stipendio- una decorazione sovrapposta attaccata all'icona sopra lo strato di pittura. Era realizzato con metalli non ferrosi, perle, perline, ricami in oro, legno dorato intagliato. A volte decorato pietre preziose. Gli stipendi coprono singole parti del dipinto o l'intera superficie, ad eccezione del viso, delle braccia e delle gambe.
Skladen- la somiglianza di una piccola iconostasi di più, collegate da cardini, ali pieghevoli con icone. Progettato per i viaggiatori.
"Tenerezza" Serafimo-Diveevskaya- l'icona della Madre di Dio, appartenuta a Serafino di Sarov. Di fronte a lei, è morto in preghiera. Celebrazione il 10 agosto.
"Allevia i miei dolori" – icona miracolosa Madre di Dio, portata a Mosca dai cosacchi nel 1640. La Madre di Dio è raffigurata sull'icona con la testa leggermente inclinata di lato, alla quale appoggia la mano sinistra. Il suo aspetto generale, per così dire, ci dice che la Regina del Cielo ascolta le lacrime e le preghiere di tutti i credenti che si rivolgono a Lei con i loro dolori, bisogni e dolori. Con la mano destra, la Madre di Dio tiene i piedi del Divino Bambino. Il Salvatore tiene davanti a sé tra le mani un rotolo aperto, sul quale sono incise le parole dell'esortazione divina: "Giudica il giusto giudizio, fa' misericordia e munificenza ..." Celebrazione del 7 febbraio.
- icona miracolosa. Secondo la leggenda, scritta dall'evangelista Luca. In Russia, originariamente si trovava nel monastero Feodorovsky Gorodetsky. Durante l'invasione di Batu, sia Gorodets che il monastero furono devastati, gli abitanti fuggirono e non ebbero il tempo di portare con sé l'icona. Pochi decenni dopo, il 16 agosto 1239, apparve al fratello minore di Alexander Nevsky, il principe Vasily Yaroslavich di Kostroma, nella foresta, su un albero, durante la caccia. Alla vigilia, molti residenti di Kostroma hanno visto una specie di guerriero camminare per le strade della città e nelle sue mani teneva un'icona. Il volto di questo guerriero ha ricordato agli abitanti l'immagine iconografica del santo grande martire Theodore Stratilates. L'icona trovata fu collocata nella chiesa di San Teodoro Stratilates a Kostroma e fu chiamata Feodorovskaya. Nel luogo del ritrovamento dell'icona, il principe fondò un monastero in onore dell'Immagine del Salvatore non fatta a mano. Nel 1260, un'immagine miracolosa salvò Kostroma dalle orde tartare. Nel 1613, il giovane Mikhail Fedorovich Romanov, il primo sovrano della dinastia Romanov, fu benedetto con l'icona Feodorovskaya per regnare. Attualmente, l'icona si trova nella Cattedrale dell'Assunzione a Kostroma. Davanti a questa icona, secondo la tradizione, pregano per una nascita sicura. L'icona è celebrata il 27 marzo e il 29 agosto.
"Guaritore"- un'icona su cui è raffigurata la Regina del Cielo in piedi al letto del paziente, sulle labbra del paziente è visibile un latte. La storia di questa immagine è la seguente. Un pio chierico si ammalò gravemente e si rivolse alla Madre di Dio con una preghiera, nello stesso momento vide l'Angelo Custode al suo capezzale, chiedendo alla Madre di Dio la guarigione dei malati, e apparve la Madre di Dio, che trasudò una goccia salvifica di latte dal suo seno sulle labbra dell'infermo e divenne invisibile. Il paziente si sentiva completamente in salute e raccontò a tutti del miracolo che era avvenuto. Davanti a questa icona pregano per la guarigione dei malati. Celebrazione dell'icona - 1 ottobre.
- un'icona miracolosa, venerata sia dagli ortodossi che dai cattolici. Scritto, secondo la leggenda, l'evangelista Luca. Nel 326 la santa imperatrice Elena, ricevuta in dono questa icona, la portò a Costantinopoli, dove rimase per quasi cinque secoli. Quindi è stata trasferita in Russia, dove è diventata famosa per molti miracoli. Portato via dai polacchi, cadde nelle mani dei tartari, che iniziarono a sparargli con gli archi, ma quando il sangue sgorgò dall'icona, fuggirono spaventati. Attualmente si trova in Polonia in un monastero vicino alla città di Czestochowa. Celebrazione 19 marzo.
L'icona come parola è di origine greca e significa nella traduzione diretta - "immagine". Bisanzio è considerato il luogo di nascita dell'icona, è da lì che è arrivata questa "immagine".
È interessante notare che nella tradizione paleocristiana non esisteva alcuna regola per creare immagini dell'Onnipotente create dall'uomo. Ciò è stato spiegato da uno dei comandamenti dell'Antico Testamento, che vieta di "fare un idolo", nonché un collegamento diretto di tali immagini con il culto pagano. Il primo negava completamente ogni possibilità di raffigurare Dio, questa tradizione rimane ancora in altri (islam, ebraismo).
Nel frattempo, in queste condizioni, si riteneva accettabile l'uso di simboli appropriati che "ricordassero" ai credenti le idee e le immagini di base del cristianesimo, che però rimanevano comprensibili solo a loro. Quindi, nelle catacombe che servivano i primi cristiani, le pareti erano decorate con immagini speciali, tra le quali c'erano, ad esempio, simboli:
- Cestini con pani che poggiano su pesci sono simbolo del miracolo di moltiplicare i pani e nutrire mille persone con 5 pani e due pesci
- La vite - come piantagione del Signore
- Colomba, nave, ecc.
A poco a poco, iniziano ad apparire anche immagini di Dio come un'immagine antropomorfa (cioè simile all'uomo). Insieme a loro nasce e si intensifica una disputa e una lotta intellettuale, che hanno ricevuto il nome del processo di scontro tra iconoduli e iconoclasti. Storicamente, questo è il periodo dell'VIII-IX secolo, quando il divieto di venerazione delle icone fu formalizzato per la prima volta dalle autorità secolari ( imperatore bizantino Leone III), e poi la Chiesa (Sobor 754).
Come risultato di questa lotta, anche la venerazione delle icone fu ufficialmente consentita dall'autorità del Concilio dell'843. Ciò non è stato fatto "da zero", a quel punto i teologi di Bisanzio erano riusciti a sviluppare un intero sistema armonioso, che era incluso nella corrispondente teoria dell'icona. Tra questi titani del pensiero ci sono Teodoro lo Studita, Giovanni di Damasco, che ora sono i "padri della chiesa".
Teoria dell'icona cristiana
L'icona come immagine di Dio è stata riconosciuta come simbolo e dichiarata intermediaria tra l'uomo e il mondo dell'invisibile.
Le immagini avevano una propria gerarchia:
- Dio è un prototipo
- Logos (come la parola di Dio realizzata) - il secondo tipo di immagini
- L'uomo è il terzo tipo
La domanda principale: come puoi rappresentare il Dio invisibile? Secondo la leggenda, sappiamo che Dio apparve agli anziani, ai profeti, come una luce celeste, un roveto ardente o sotto forma di tre viaggiatori. Questa è una tradizione dell'Antico Testamento. Nella storia del Nuovo Testamento, conosciamo un'altra immagine di Dio: questo è il Figlio del Signore, che è apparso nel mondo sotto forma di uomo. Era questa immagine che poteva essere usata nelle icone, quando il soprannaturale, il celeste, il divino appare davanti a noi attraverso l'umano incarnato. Cioè, il permesso di venerare le icone era basato sul dogma principale dell'incarnazione di Cristo.
Lo stesso Dio Padre non è mai stato ritratto dai pittori di icone bizantine, ma nella parte europea e nella Rus' c'erano icone in cui la prima persona della Trinità poteva essere rappresentata da un anziano dai capelli grigi.
Tuttavia, fu a Bisanzio nel X secolo che iniziò a prendere forma il simbolismo dell'icona, i suoi generi e tipi di iconografia.
Canone dell'icona cristiana
La canonicità può essere definita la caratteristica principale o la caratteristica dell'icona. Poiché questa immagine doveva essere utilizzata nella pratica della chiesa e per collegare una persona con Dio, tutto in essa doveva essere soggetto a "regole" uniformi, ad es. canone. Questo canone è stato determinato principalmente dalla componente del contenuto teologico e solo successivamente dall'estetica. Composizione dell'immagine, forme delle icone, colore, accessori, ecc. erano condizionati dal dogma, che li rendeva comprensibili a tutti i credenti.
Tali disposizioni canoniche non sono apparse direttamente con l'avvento del cristianesimo, anzi, le culture dell'antichità le conoscevano in un modo o nell'altro. L'arte dell'Egitto era caratterizzata da un alto livello di canonicità; il canone era presente anche nella cultura antica, ma su scala minore.
Nella cultura cristiana il canone prevedeva anche un livello medio sufficiente di resa delle icone, i campioni di immagini erano verificati, selezionati e disponibili, nulla doveva essere “inventato” o sviluppato “d'autore”, poiché esistevano già modelli stabili di immagini iconografiche. Tra l'altro nel Medioevo il maestro non firmava nemmeno l'opera, tutte le icone erano realizzate da "anonimi".
Il canone iconografico si estendeva ai seguenti elementi:
La trama e la composizione dell'immagine sull'icona
La trama dell'icona corrispondeva alla Scrittura, la scelta dell'elemento di contenuto era lasciata alla chiesa. Per attuare questo o quell'ordine, il pittore di icone disponeva di campioni, tagli e dei cosiddetti "originali esplicativi", in cui l'intera immagine era già presentata e ambientata. Era da questi "standard" compositivi della trama che i credenti riconoscevano l'icona e potevano distinguerli in sostanza.
È interessante notare che in Rus', già dal XII secolo, il canone bizantino inizia a subire, quando tipi stabili di iconografia “modificano” o addirittura ne compaiono di nuovi, dovuti alle tradizioni locali. È così che è nato il canone della Protezione della Madre di Dio, ad esempio, o icone con immagini di santi di una certa zona.
La figura sull'icona
Canonicamente, anche l'immagine della figura era rigorosamente “regolamentata”. Quindi, la figura principale (o semanticamente principale) avrebbe dovuto essere posizionata frontalmente, ad es. di fronte al credente. Le è stato dato immobile e grande. Tale figura era il "centro" dell'icona. Figure meno significative in questa storia sono state presentate di profilo, erano caratterizzate da movimento, postura complessa, ecc. Se una persona era presente sull'icona, veniva raffigurata come una figura allungata con un'enfasi sulla testa. Se era il volto di una persona, la parte superiore del viso risaltava con un'enfasi sugli occhi e sulla fronte. In questo modo si sottolineava il predominio dello spirituale sul sensuale. Al contrario, la bocca della persona era disegnata incorporea, il naso era sottile e il mento piccolo. Nelle immagini dei santi, il loro nome era scritto accanto al volto.
Il colore nell'iconografia russa
Anche il simbolismo del colore nelle immagini delle icone è strettamente canonico. Nel frattempo, la tradizione iconografica russa è caratterizzata da una tavolozza e una combinazione di colori insolitamente luminose e ricche.
La tradizione bizantina è insita nell'essenziale supremazia del colore dorato, che doveva riflettere la luce divina stessa. In tali icone, sia lo sfondo che i dettagli importanti dell'immagine - aureole, una croce, ecc. Erano ricoperti d'oro. Sull'icona russa, l'oro sarà sostituito con colori e il viola, che è molto significativo a Bisanzio (il potere dell'imperatore), non sarà affatto usato.
Il colore rosso sulle nostre icone sarà ampiamente utilizzato nella scuola di Novgorod, dove lo sfondo sarà coperto di rosso, sostituendo con esso l'oro bizantino. In termini di contenuto, simboleggerà il colore del sangue del Redentore, la fiamma della vita.
Per il colore bianco, significato di luce divina, era prescritta l'innocenza; era usato negli abiti sia di Cristo che dei giusti, dei santi.
Per il nero: il carico significativo era determinato dai simboli della morte, dell'inferno; in genere veniva usato molto raramente e, all'occorrenza, poteva essere sostituito da toni scuri di blu o marrone.
Verde - era il colore della terra (prevalso nella scuola di pittura di icone di Pskov), questo colore sembrava essere opposto al celeste o reale.
Il blu è il simbolismo del paradiso, l'eternità, aveva il significato della verità. Sia il Salvatore che la Madre di Dio potevano essere vestiti con abiti blu.
Spazio in un'icona
La disposizione delle figure e la costruzione dello spazio dell'immagine stessa è un'altra componente importante del canone. Oggi conosciamo tre tipi di rappresentazione planare dello spazio disponibili nell'arte. Queste le prospettive:
- linea retta (spazio concentrico). Caratteristico del periodo rinascimentale, esprime la posizione attiva e il punto di vista dell'artista
- parallelo (spazio statico). L'immagine si trova lungo la tela, tipica dell'arte orientale e dell'antica Grecia
- inverso (spazio eccentrico). Scelto come canonico per la pittura di icone
Questa prospettiva rifletteva l'essenza delle disposizioni dogmatiche, quando l'icona era intesa non come una finestra sul mondo reale, come un dipinto rinascimentale, ma come un modo per "manifestare" il mondo celeste. Qui l'artista non guarda ciò che raffigura, ma il carattere dell'icona guarda il credente. Lo stesso spazio in esso è simbolico:
- una collina può rappresentare una montagna,
- un cespuglio - un'intera foresta,
- lampadine di chiese - l'intera città.
Un'icona può quindi avere una verticale che collega terra e cielo; così nella parte inferiore dell'immagine è dato il mobile, mutevole, umano, e nella parte superiore - l'eternità, il mondo celeste.
Generi della pittura di icone russe
- Lettera della Genesi
- parabole
- Icone oneste (questa "sezione" apparirà nella pittura di icone poco dopo)
Sulla base di queste definizioni, e caratteristiche del genere, tra i quali i più significativi sono:
Storico-leggendario
Quelli. basato sulla Genesi scrivendo e riproducendo scene di eventi della Storia Sacra.
Questo genere di pittura di icone russe è caratterizzato da: narrativa ("alfabeto della chiesa" per credenti analfabeti), molti dettagli, vitalità e mobilità.
Simbolico-dogmatico
Quelli. basato su "parabole".
Sono caratterizzati da: la severità della composizione, la rigidità del legame con i dogmatici, l'astrattezza delle figure e la quasi assenza di trama. L'enfasi principale è il simbolismo e gli elementi semantici canonici. Esempio: "Oranta", "Eucaristia".
Personale o "onesto"
Quelli. scritto in onore di un certo personaggio: un santo, un apostolo.
Le caratteristiche di questo genere di pittura di icone sono la frontalità del viso e della figura, l'astrattezza dello sfondo. L'immagine stessa può essere a mezzo busto oa figura intera, può essere presente anche la vita di un santo (il volto è delimitato da frammenti (marchi) con il contenuto della trama della sua vita).
Genere del ciclo Theotokos
Questo è un genere speciale di pittura di icone russe, in cui tutti e tre gli elementi di genere sopra elencati si fondono in un unico insieme. I volti della Madre di Dio con il Bambino narrano come certi eventi storici, e affermano specifici dogmi cristiani (l'incarnazione, la salvezza, il sacrificio) e portano un enorme carico simbolico.
L'iconografia della Madre di Dio in Rus' è uno dei generi più venerati e amati. L'iconografia della Beata Vergine ha diversi tipi di immagini proprie, che discuteremo separatamente. In un testo separato considereremo sia la storia della pittura di icone russa che la sua scuola.
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